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Em cartaz na Caixa Cultural, em São Paulo, “Rembrandt — O Mestre da Luz e da Sombra” reúne 69 gravuras que atravessam quase quatro décadas da produção do mestre do Barroco.
Mais do que reproduzir imagens, Rembrandt transformou a técnica em laboratório artístico e meio de circulação de sua obra pela Europa.
Ao retrabalhar as matrizes, alterava luz, sombras, figuras e composições, criando diferentes estados de uma mesma imagem — variações que também alimentavam o interesse dos colecionadores.
Muitas das obras têm dimensões próximas às de uma figurinha de álbum da Copa, mas concentram cenas de enorme complexidade.
Com água-forte, ponta-seca e buril, o artista explorou episódios bíblicos, paisagens, retratos e personagens do cotidiano.
Em uma época em que a pintura permanecia restrita a casas, igrejas e coleções, suas gravuras viajavam, atravessavam fronteiras e ajudavam a construir sua reputação internacional — quatro séculos antes da internet.
* Resumo gerado por inteligência artificial e revisado pelos jornalistas do NeoFeed
O artista holandês Rembrandt veste um chapéu enorme, de abas largas, que lança uma sombra sobre o rosto. Ao seu lado, mais iluminada, está Saskia, sua esposa, olhando na mesma direção. Sobre a mesa, uma folha de papel; entre os dedos, o artista segura um pequeno instrumento de desenho.
Feita em água-forte, Autorretrato com Saskia, de 1636, é, ao mesmo tempo, um retrato de casal e um autorretrato profissional. O trabalho também marca a primeira vez que Rembrandt se apresentou, em uma gravura, como artista em atividade. A obra está em cartaz na exposição Rembrandt — O Mestre da Luz e da Sombra, que reúne 69 impressões do artista na Caixa Cultural, em São Paulo.
“Em vez de selecionar apenas as obras mais espetaculares, trouxemos todas as 69 gravuras da coleção. Juntas, elas abrangem quase quatro décadas da produção de Rembrandt, desde seus primeiros experimentos até obras de extraordinária maturidade técnica, e incluem de estudos minúsculos a complexas composições bíblicas”, diz Luca Baroni, curador da mostra, ao NeoFeed. As obras pertencem à uma coleção particular italiana.
A maioria delas tem dimensões próximas às de uma figurinha de álbum da Copa do Mundo. O que impressiona é a quantidade de informação que o artista consegue concentrar em um espaço tão pequeno.
Em A Descida da Cruz, de 1633, há dezenas de personagens, diferentes planos, diagonais e feixes de luz que compõem a cena, criando profundidade e conduzindo o olhar. Tudo é construído com um domínio preciso da perspectiva e um interessante jogo de claro-escuro.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn nasceu em 15 de julho de 1606, em Leiden, e mudou-se para Amsterdã aos 25 anos. Sua trajetória se desenrolou no chamado Século de Ouro dos Países Baixos, período de expansão comercial, científica e cultural da região.
Famoso pelas pinturas de superfície rugosa e pelas cenas de forte teatralidade, Rembrandt também encontrou na gravura um espaço para experimentação. Ao longo da carreira, produziu mais de trezentas gravuras e fez da técnica uma mídia para fazer circular o seu nome para fora da Holanda.
“Uma pintura permanece em uma casa, coleção ou igreja; uma gravura circula”, ressalta Baroni. “As gravuras eram uma das grandes tecnologias de comunicação da Europa moderna. Elas construíam reputações para além das fronteiras muito antes de existirem a fotografia ou a internet.”
Variações do mesmo tema
Segundo a pesquisadora Svetlana Alpers, em O Projeto Rembrandt, parte da fama do artista veio de seu hábito de retrabalhar constantemente as matrizes de suas gravuras, produzindo diferentes estados de uma mesma imagem. Sobre uma única placa, Rembrandt alterava a luz, fazia figuras desaparecerem e intensificava as sombras.
Essa possibilidade de transformar uma mesma imagem ao longo do tempo também tinha efeitos sobre o mercado. Diferentemente das gravuras contemporâneas, produzidas em edições fechadas e numeradas, as de Rembrandt podiam ganhar novos estados à medida que o artista retrabalhava a matriz.
Cada intervenção podia resultar em uma nova impressão, diferente da anterior. Para os colecionadores, essas diferenças tinham um atrativo especial. Reunir os diversos estados de uma mesma imagem e completar séries tornava-se parte do prazer de colecionar.
A “Descida da Cruz”, de 1633, concentra, em uma gravura de pequenas dimensões, dezenas de personagens, diferentes planos e feixes de luz, articulados por Rembrandt para criar profundidade e conduzir o olhar (foto: Caixa Cultural)
De 1632, “A Ressurreição de Lázaro” é uma das gravuras que ajudam a explicar por que Rembrandt ficou conhecido como o mestre da luz e da sombra (Foto: Caixa Cultural)
Em “A Adoração dos Pastores: cena noturna”, de 1652, Rembrandt combina água-forte e ponta-seca para construir sombras profundas e fortes contrastes de luz (Foto: Caixa Cultural)
Em “A Adoração dos Pastores: com a Lâmpada”, de 1654, o artista retoma a cena da Natividade apenas em água-forte e faz da lâmpada o foco de luz da composição (Foto: Caixa Cultural)
Ao longo da carreira, Rembrandt produziu mais de 300 gravuras, muitas delas dedicadas a personagens e cenas do cotidiano, como Mãe do Artista com a Mão no Peito, de 1631 (Foto: Caixa Cultural)
“Estamos acostumados a pensar no original como um objeto único e definitivo. A gravura propõe outro modelo: o múltiplo original”, diz o curador. “A obra existe não apenas como objeto, mas como processo. Nas mãos de Rembrandt, muitas vezes não existe uma única imagem definitiva, mas uma família de imagens possíveis.”
Para Baroni, cada placa de impressão era um “laboratório”, no qual o artista podia experimentar diferentes soluções e registrar cada etapa em uma nova impressão — algo difícil de imaginar na pintura.
“A gravura oferece a ele algo que a pintura não pode oferecer exatamente da mesma maneira, a sequência”, afirma. “Podemos, assim, acompanhar o pensamento se transformando em imagem quase passo a passo.”
Na exposição, não há exemplares de diferentes estados produzidos a partir da mesma matriz. É possível, porém, compreender essa relação de Rembrandt com a transformação das imagens em obras que exploram um mesmo tema de maneiras distintas, como A Adoração dos Pastores: cena noturna, de 1652, e A Adoração dos Pastores: com a Lâmpada, de 1654.
Nas duas obras, o artista trabalha o mesmo tema, mas encontra soluções diferentes para a cena. Na primeira, combina água-forte e ponta-seca para explorar o contraste entre luz e sombra. Já a segunda, de 1654, é feita em água-forte, com o desenho mais marcado.
Imagens feitas para viajar
A mostra traz uma grande série de cenas bíblicas, além de imagens do cotidiano: paisagens, retratos de filósofos e personagens ligados ao trabalho e à vida urbana.
“Rembrandt pode conferir uma dimensão monumental a um mendigo e tornar uma cena bíblica extraordinariamente íntima. O sagrado entra na vida cotidiana, e a vida cotidiana adquire dignidade”, explica o curador.
O visitante também vai notar a variedade de técnicas empregadas pelo artista. Rembrandt combinava água-forte e ponta-seca e, em algumas obras, recorria também ao buril. A Estrela dos Reis: cena noturna, de 1651, por exemplo, reúne as três técnicas.
No Brasil, a exposição já passou pelo Rio de Janeiro, por Belo Horizonte e por Vitória e chega a São Paulo, onde permanece até 27 de setembro. “As obras de arte viajam justamente porque novos públicos produzem novos significados ao seu redor”, diz Baroni. “E talvez essa seja a coisa mais bonita sobre as gravuras: elas foram feitas para viajar. Quatro séculos depois, continuam fazendo exatamente isso.”
